En relación coa obra de Leopoldo Novoa, hoxe falaremos de Lucio Fontana, que como o noso artista galego, traballa con monocromo e con espazo no supostamente dimensionado bidimensional do lenzo.
Lucio (pintor formado como escultor) esforzouse por introducir a terceira dimensión nos seus lenzos a través de perforacións e cortes.
Conseguiu transmitir o espazo e a tridimensionalidade a través do baleiro atopado nas bágoas dos seus cadros.
En 1946 escribiu o "Manifesto branco", no que optou pola abstracción, cuestionou a visión bidimensional da pintura en Occidente e deixou espazo a novas técnicas, xurdidas grazas aos descubrimentos científicos.
Foi o primeiro paso cara ao "espacialismo", que definiu nos cinco manifestos que escribiu entre 1947 e 1952, como unha busca para transformar a materia en enerxía e invadir o espazo de forma dinámica.
Lucio Fontana investigou o concepto de espazo e o seu interese polos avances tecnolóxicos e científicos levouno a experimentar con todo tipo de soportes: pintura, técnica mixta, metal, cerámica, bronce, luces de neón ou raios UV (como instalacións ambientais arquitectónicas).
O artista italo-arxentino (que traballou nos dous continentes), estableceuse en Milán en 1947, onde desenvolveu moitos dos seus experimentos (¨Conceptos espaciais¨), entre os que destaca a presentación de 1949 de Ambiente espacial con luz negra na Galleria. del Naviglio en Milán (a súa primeira instalación, na que introduciu luces de neón).
Desde o seu regreso a Italia despois da Segunda Guerra Mundial, Fontana traballou intensamente con arquitectos como Luciano Baldessari no deseño e decoración de pavillóns de exposicións, onde se expresou o seu desexo de crear unha nova linguaxe estética na que se fusionasen todas as artes.
A partir dese mesmo ano comeza a súa serie de Perforacións, na que se perforou o lenzo e introduciuse na obra o espazo detrás do cadro, e a partir de 1958 realizou as súas chamadas Cortes, nas que as superficies monocromáticas centraban a atención sobre o soporte que fora arrincado cun coitelo.
Fontana pintou superficies monocromáticas de cor, que arrincou cun cortador e logo coas mans tocou a fenda ata completar o xesto, que finalmente subliñou coa colocación dunha gasa negra para arranxar a falla no lenzo.
Nesa secuencia, a palabra clave é "xesto".
O artista alterou as dúas dimensións do cadro coa técnica dun escultor.
¿Por que mutilar as pinturas?:
Fontana nunca deixou unha explicación por escrito.
Sábese que fora influído por Yves Klein (e que entendía a arte como un diálogo con outros creadores, preferentemente máis novos).
Tamén, que viña de traballar nunha serie, Holes, que en certo xeito é un precursor das Cortes.
As arrancadas poderían evocar "a idea do abismo, do irrepresentable", "a orixe do mundo" ou "a ferida do Cristo crucificado", aínda que o artista, católico, non era "especialmente relixioso".
Dende a primeira representación monocroma no século XX, escribiuse que podería significar o fin da arte e que representaba o límite máis alá do que a abstracción podería avanzar.
Pero a arte monocroma na súa aparente sinxeleza agocha unha presenza enigmática cun gran fondo teórico, onde os acabados e o material xogan un papel primordial dentro do concepto artístico.
A arte monocroma pode parecer nun principio como unha arte baleira, sen antecedentes ideolóxicos, posiblemente por unha aparente sinxeleza, pero nada máis lonxe da realidade.
Detrás do monocromo escóndese unha enigmática e misteriosa presenza que en moitos casos parece resistir á interpretación, pero que debido á súa inmaterialidade, transmite ao espectador a espacialidade e espiritualidade.
Conseguiu transmitir o espazo e a tridimensionalidade a través do baleiro atopado nas bágoas dos seus cadros.
En 1946 escribiu o "Manifesto branco", no que optou pola abstracción, cuestionou a visión bidimensional da pintura en Occidente e deixou espazo a novas técnicas, xurdidas grazas aos descubrimentos científicos.
Foi o primeiro paso cara ao "espacialismo", que definiu nos cinco manifestos que escribiu entre 1947 e 1952, como unha busca para transformar a materia en enerxía e invadir o espazo de forma dinámica.
Lucio Fontana investigou o concepto de espazo e o seu interese polos avances tecnolóxicos e científicos levouno a experimentar con todo tipo de soportes: pintura, técnica mixta, metal, cerámica, bronce, luces de neón ou raios UV (como instalacións ambientais arquitectónicas).
O artista italo-arxentino (que traballou nos dous continentes), estableceuse en Milán en 1947, onde desenvolveu moitos dos seus experimentos (¨Conceptos espaciais¨), entre os que destaca a presentación de 1949 de Ambiente espacial con luz negra na Galleria. del Naviglio en Milán (a súa primeira instalación, na que introduciu luces de neón).
Desde o seu regreso a Italia despois da Segunda Guerra Mundial, Fontana traballou intensamente con arquitectos como Luciano Baldessari no deseño e decoración de pavillóns de exposicións, onde se expresou o seu desexo de crear unha nova linguaxe estética na que se fusionasen todas as artes.
A partir dese mesmo ano comeza a súa serie de Perforacións, na que se perforou o lenzo e introduciuse na obra o espazo detrás do cadro, e a partir de 1958 realizou as súas chamadas Cortes, nas que as superficies monocromáticas centraban a atención sobre o soporte que fora arrincado cun coitelo.
Fontana pintou superficies monocromáticas de cor, que arrincou cun cortador e logo coas mans tocou a fenda ata completar o xesto, que finalmente subliñou coa colocación dunha gasa negra para arranxar a falla no lenzo.
Nesa secuencia, a palabra clave é "xesto".
O artista alterou as dúas dimensións do cadro coa técnica dun escultor.
¿Por que mutilar as pinturas?:
Fontana nunca deixou unha explicación por escrito.
Sábese que fora influído por Yves Klein (e que entendía a arte como un diálogo con outros creadores, preferentemente máis novos).
Tamén, que viña de traballar nunha serie, Holes, que en certo xeito é un precursor das Cortes.
As arrancadas poderían evocar "a idea do abismo, do irrepresentable", "a orixe do mundo" ou "a ferida do Cristo crucificado", aínda que o artista, católico, non era "especialmente relixioso".
Dende a primeira representación monocroma no século XX, escribiuse que podería significar o fin da arte e que representaba o límite máis alá do que a abstracción podería avanzar.
Pero a arte monocroma na súa aparente sinxeleza agocha unha presenza enigmática cun gran fondo teórico, onde os acabados e o material xogan un papel primordial dentro do concepto artístico.
A arte monocroma pode parecer nun principio como unha arte baleira, sen antecedentes ideolóxicos, posiblemente por unha aparente sinxeleza, pero nada máis lonxe da realidade.
Detrás do monocromo escóndese unha enigmática e misteriosa presenza que en moitos casos parece resistir á interpretación, pero que debido á súa inmaterialidade, transmite ao espectador a espacialidade e espiritualidade.
Ningún comentario:
Publicar un comentario
¡Anímate a participar cos teus comentarios!